Daniel Guzmán da el salto al largometraje con esta gran película. Doce años después de rodar el cortometraje Sueños, Daniel repite con el tema de la adolescencia donde parece que se encuentra bastante a gusto. A cambio de nada es una cinta de entretenimiento y divertimento puro que no renuncia a aportar un mensaje. La familia, la amistad, la adolescencia, la soledad en la tercera edad. La película cumple la tarea de tratar diversos temas sin que esto resulte en un crisol o una serie de situaciones pegadas con Super Glue. Todo lo contrario la cinta posee una solidez sobresaliente.
Darío, un chico de dieciséis años, disfruta de la vida con Luismi, su vecino y amigo del alma. Mantienen una amistad incondicional, se conocen desde niños y juntos han descubierto todo lo que saben de la vida. Tras la separación de sus padres, Darío huye de casa y empieza a trabajar en el taller de Caralimpia, un viejo delincuente con aires de triunfador, que le enseña el oficio y los beneficios de la vida. Darío conoce además a Antonia, una anciana que recoge muebles abandonados con su motocarrro. A su lado descubre otra forma de ver la vida. Luismi, Caralimpia y Antonia se convierten en su nueva familia durante un verano que les cambiará la vida.
Con ternura, drama, humor y mucha guasa Daniel firma un guión excelente con unos personajes de carne y hueso con los que el espectador empatiza con mucha facilidad. La película pertenece a ese pseudo género cinematográfico que es películas que se ven con una sonrisa en la boca. El ritmo de la película es el acertado. La historia nos deja tiempo para reflexionar pero no para aburrirnos.
Las interpretaciones son muy solventes. Luis Tosar está espectacular, como siempre, con su personaje secundario. Tiene su punto de nostalgia el volver a ver a Miguel Rellán en un papel de profesor como ya lo hizo hace unos años dando vida al personaje de Félix en la serie de Compañeros. Mención especial merece Antonia Guzmán, abuela de Daniel, que con 93 años nos regala ese papel lleno de ternura. La pareja protagonista Miguel Herrán y Antonio Bachiller, dos debutantes, cumplen con creces la tarea de llevar todo el peso de la película dando vida a unos personajes creíbles y entrañables.
Sin duda empieza con buen pie en la gran pantalla Daniel Guzmán. Los aficionados al cine español y al cine en general tenemos que estar de enhorabuena.
Aunque un poco tarde, aquí está mi lista con lo mejor de 2011. Y cuando digo lo mejor, me refiero a lo que ha mi más me ha gustado o más me ha emocionado. Desgraciadamente hay películas que no he podido ver y que, a lo mejor, podrían estar aquí. Sin más expongo mi lista, deseando un 2012 lleno de buenas películas: 10. Poesía
La cinta coreana de Lee Chang-dong nos trae una desgarradora historia de familia desangelada con una grandísima interpretación de la protagonista Yun Junghee.
9. Jane Eyre
Bellísimos planos dan forma a un guión muy pulido y casi perfecto.
8. The artist
El acontecimiento del año. Una película de cine mudo y en blanco y negro en el siglo XXI. Una maravilla apta para todos los públicos y para todos los paladares.
7. Win win
Pequeña joyita de cine independiente.
6. La piel que habito
De lo mejor de Almodóvar.
5. Black swan
Gran película de Aronofsky con una Natalie Portman en estado de gracia.
4. Drive
Esta inclasificable cinta dejará escenas para la historia del cine. Película de culto instantánea.
3. Midnight in Paris
Allen cambia Barcelona por París y el drama por la comedia. El resultado es una película divertidísima con multitud de guiños literarios.
2. Melancholia
El Apocalipsis según Lars Von Trier.
1. The tree of life
La magia que desprende en cada fotograma la hace una película única.
No es raro hoy en día ver a directores que son considerados 'vacas sagradas' estrellarse película tras película y decepcionando hasta a sus seguidores más acérrimos. Pero no importa, pues esa fama que se ganaron en el pasado les permitirá estrenar películas mediocres hasta el ocaso de sus carreras.
Sin embargo de vez en cuando aparece alguien como Thomas McCarthy quepese a no contar con la fama y reconocimiento de los grandes directores, nos ofrece una regularidad asombrosa en sus trabajos. McCarthy (Vías Cruzadas y The Visitor) nos vuelve a traer una película fresca y realista. Una historia mínima de aquellas que nos alegran el día ofreciédonos un relato realista y creíble, gracias en parte a los actores. Merece una especial mención un enorme (interpretativa y fisicamente) Paul Giamatti.
También es verdad que las películas de McCarthy pecan de parecerse mucho entre ellas. Entonces, ¿vista una, vistas todas? Para nada. Si bien es cierto que en todas sus películas aparecen personajes fracasados, no es este fracaso en el mismo campo. Y mientras que unas veces se habla de soledad, otras veces se habla de depresión y otras de crisis.
Win win es una película sobre gente imperfecta a la deriva que se sirven de soporte mutuamente. Una historia que camina entre el drama y la comedia y que trata de ser sincera con el espectador. En definitiva, un montón de situaciones que nos traerán sonrisas y suspiros rodeados de dos planos (el inicial y el final) de matrícula de honor.
Tercera película de Zack Snyder basada en la novela gráfica de mismo nombre de Alan Moore y Dave Gibbons.
En la década de los 80, con Estados Unidos inmersos en la guerra fría los superhéroes han visto caer su reputación y han pasado de ser los defensores de las calles a estar perseguidos por la policía. Uno de los ex héroes es asesinado en muy extrañas condiciones.
Soberbio y arrollador comienzo de la película con unos fantásticos títulos de crédito en los que se presenta a los héroes a cámara lenta acompañado de la voz de Bob Dylan cantando The times they are a-changing.
Muy buena selección de canciones de la banda sonora (Leonard Cohen, Dylan, Simon & Garfunkel). La película tiene un poderío visual inmenso, muy cuidada fotografía. Se adapta bien a la pantalla a costa de una narración en off que llega a hacerse un poco pesadaen algún tramo de la película.
La historia es la que es, la del comic. Y es aquí donde radica el mayor problema de la película en un guión que no para de recordarte que estás viendo un comic animado que, eso sí, termina con un muy buen final.
El director sabe explotar su experiencia con videoclips y no duda en apoyar gran parte del peso de la película en el apartado musical. El resultado es cuanto menos notable.
Tom (Gordon-Lewit) se enamora perdidamente de Summer (Zooey Deschanel) pero esta no cree que Tom sea el amor de su vida. Historia que habla de las relaciones, del amor y del desamor y de cómo salir de este último cuando se cree que todo está perdido.
La película tiene un planteamiento muy original, utiliza con inteligencia los recursos de flashbacks y flashforwards que son aprovechados gracias a un excelente montaje. Buena música y muy apropiadas canciones,especialmente The Smiths. Divertidísima y cómica parte la del musical con la canción “You make my dreams”.
Quizás el único pecado punible a esta película pueda ser el cierto maniqueísmo que hay entre los dos personajes principales Summer y Tom.
Se incluyen varias referencias cinéfilas, como por ejemplo a Truffaut y al “Séptimo sello” de Ingmar Bergman pero en este lugar el protagonista está jugando al ajedrez contra Cupido en lugar de contra la Muerte.
La película viene a confirmarnos que es posible hacer comedia romántica sin usar clichés repetidos infinidad de veces y dando un planteamiento distinto a lo que estamos acostumbrados.
Aunque 2010 no haya sido lo que se pueda llamar un año cinematográficamente bueno sí que ha habido algunas grandes películas. Las que más recuerdo haciendo un poco de memoria, y que por tanto serán las que más me han gustado, son las siguientes:
Toy story 3
Un film vieja escuela con medios de última generación. Woody, Buzz y compañía nos trajeron una película entrañable que nos hizo recordar aquellas películas que se veian con la boca abierta. Cuando parece que Pixar había tocado techo (Up y Wall-E) se saca de la manga esta gran obra maestra.
Buried
Una película modelo que aprovecha cada céntimo de su presupuesto y cada centímetro del ataúd para construir una historia estremecedora. Rodrigo Cortés nos muestra que va en serio en esto del cine (ya había avisado antes con su notable Concursante).
La cinta blanca
Haneke sigue a lo suyo. Atrocidades que lo son más aún viniendo de quien vienen. Radiografía de una sociedad oscura que vive en la mentira, el odio y la vergüenza. Soberbia fotografía en blanco y negro que no hace sino adentrarnos en este aterrador pueblo.
La red social
La historia de la creación de la red social más grande del mundo contada con un ritmo increíble gracias a un fantástico guión, unas grandes interpretaciones y una música que va marcando el ritmo desde el minuto 1 de película. Fincher no decepciona.
Canino
La película más controvertida del año. Una terrorífica historia de aislamiento. A veces provoca risa pero es una risa que nos hace sentir culpables al momento, otras veces sencillamente las imágenes son tan duras que nos obligan a apartar la mirada de la pantalla.
An education
Interpretaciones estelares en una película que acaba desviándose de lo esperado en este tipo de películas. Lo empalagoso acaba amargandose con el paso de los minutos. Debería ser de obligado visionado en las escuelas, y no solo en las de cine.
El escritor
Polanski nos cuenta una historia que nunca pierde fuelle y que termina con un gran climax, como debe ser en un buen thriller que se preste. Interpretaciones muy ajustadas y solventes.
Shutter Island
Una realización impecable destaca en este thriller con una gran interpretación de Di Caprio. A Scorsese no le tiembla el pulso en ningún momento de la película, el resultado es un historia con una atmósfera inquietante que te agarra y te sumerge en los mares de la confusión.
Up in the air
Jason Reitman no baja el pistón y esta vez nos obsequia con una gran película sobre la precariedad laboral, las relaciones entre las personas y la soledad. El hijo del director de Ghostbuster, Ivan Reitman, viene reivindicandose película tras película como director muy a tener en cuenta (Gracias por fumar, Juno).
Origen
Nolan se mete de lleno en los sueños de Di Caprio en este film de preciosa factura y magníficos efectos especiales. Interpretación y música fantásticas. Si el guión hubiera sido un poco más redondo podríamos estar hablando de cosas mayores.
Paul Conroy (Ryan Reynolds), padre de familia y contratista civil en Irak, es secuestrado y despierta enterrado vivo en un viejo ataúd de madera, teniendo en su poder únicamente un mechero y un teléfono móvil. Este teléfono móvil será su única vía de comunicación con el exterior pero el tiempo corre en su contra, en 90 minutos se quedará sin oxígeno.
Rodrigo Cortés después de sorprender a propios y a extraños con su opera prima, la notable y original Concursante nos trae otra apuesta más arriesgada todavía, incluso se le podría llamar cine experimental. De Buried se han dicho muchas cosas, incluso algunas barbaridades. A Rodrigo Cortés le han llegado a comparar con Hitchcock. Después de verla me ha sorprendido que todos los elogios estuvieran totalmente justificados. Una grandísima noticia esta película que nos viene a confirmar a Cortés como parte del futuro prometedor del cine patrio junto a gente como Nacho Vigalondo y Daniel Sánchez Arévalo.
Cortés tiene lo que hay que tener. Sin duda el proyecto era muy arriesgado. Una película entera rodada en el interior de un ataúd, solo un actor en pantalla durante el transcurso de toda la película y sin embargo los 93 minutos que dura la misma se pasan volando. De esto tiene culpa en gran parte Chris Sparling y su guión milimétricamente estudiado, aunque algunas veces pueda resultar un poco tramposo. Sin embargo pese a lo reducido del escenario el guión toca muchos palos y da que pensar al espectador.
También hay que destacar el trabajo de Ryan Reynolds que aporta credibilidad a la historia con una interpretación tan creíble que nos hace sentir a los espectadores en el interior del ataúd.
En definitiva Buried es una película que no te deja respirar, no apta para claustrofóbicos ni para cardiacos. Una vez te atrapa te mantendrá con los ojos abiertos como platos y la espalda separada del respaldo. Sin duda Cortés hace un excelente uso del suspense y sabe cómo ir dando poco a poco las dosis de información para enganchar al espectador a una historia que como en las buenas películas se va descubriendo paulatinamente con el transcurso de la película llegando al clímax en una escena final que nos deja literalmente sin aliento.
Oren Peli dirige y escribe esta película de bajísimo presupuesto (poco más de 10.000 dólares) que posteriormente arrasaría en taquilla llegando a recaudar 100 millones de dólares.
Una joven pareja feliz de clase media es atormentada por un espíritu demoníaco. Micah y Katie son una pareja de jóvenes de vida normal. Todo va bien hasta que un día el espíritu empieza a manifestarse en la casa.
Los pocos medios debidos al escaso presupuesto de la cinta acaban siendo algo positivo ya que añade un toque de realismo y cotidianidad que nos acerca a los personajes y a sus situaciones. Esa cercanía acentúa el miedo ya que nos hace ponernos en el lugar de los personajes.
El guión es un tanto ramplón y lleno de clichés. Hay momentos de tensión que están realmente conseguidos, sin que pase nada nos tiene expectantes pegados a la pantalla. Pero el guión entorpece muchísimo especialmente cuando cae en la reiteración.
La película tiene una originalidad nula, grabada al estilo de El Proyecto de la Bruja de Blair y cogiendo prestados recursos de otras películas del género. Coger un montón de tópicos del cine de terror barajarlos y ponerlos de cualquier manera no da lugar para hacer una buena película aunque el resultado sea más que aceptable sobre todo si tenemos en cuenta el ínfimo presupuesto con el que contaban para la cinta.
No es tarea fácil cerrar una trilogía. Para empezar se ha de ser consecuente con las anteriores películas. Además está saga había dejado el listón muy alto con dos grandísimas películas. Lee Unkrich (Buscando a Nemo, Monstruos S.A.) consigue cerrar la trilogía Toy Story de una manera sobresaliente a cargo de un guión de Michael Arndt quien ya ganaría un Oscar con Pequeña Miss Sunshine al mejor guión original y a quien si la academia es justa también debería premiarle por escribir esta auténtica joya.
Cada uno de los juguetes –los viejos y los nuevos - está cuidado con mucho esmero. Los juguetes sienten y hacen sentir al espectador. Están más vivos que la mayoría de los personajes de las películas que semana tras semana asaltan nuestra cartelera para después ser olvidados sin pena ni gloria. Aquí los personajes son de verdad aunque no sean de carne y hueso, aunque sean juguetes, aunque sea cine de animación y evocan ternura, rabia, tristeza, nostalgia, alegría y un sinfín más de sensaciones. Woody ese vaquero con una lealtad absoluta, Buzz el astronauta más valiente de todos los tiempos, Rex el dinosaurio más asustadizo, el casi siempre malhumorado señor Patata . Todos estos personajes y muchos más forman un elenco envidiable para cualquier película y pasarán a la historia del cine como unos de los mejores personajes de película.
Los escenarios nuevos son sencillamente geniales. La guardería de Sunnyside es una auténtica maravilla llena de colorido y un vital dinamismo. La guardería se mueve, está viva como formando parte de un todo. El paraíso en el que todo juguete querría acabar – o quizás no. La música de Randy Newman es parte importante de la película. Como no podía ser de otra manera, Pixar regala un elegante y gracioso homenaje al admirado – imagino que también por ellos – Hayao Miyazaki con la aparición de uno de sus más entrañables personajes que no es otro que Totoro. Hilarante es sin duda el momento que protagonizan dos de los personajes secundarios: Ken y Barbie aunque no es el único momento cómico de la película ni mucho menos. La película termina con un grandísimo final épico que nos levanta a todos de nuestros asientos.
Divertidísimo es también el guiño al lenguaje español que se hace en el último tramo de la película que culminará en la parte final con el tema de los Gipsy Kings hay un amigo en mi.
La película combina varios géneros con una elegancia pasmosa. Lo mismo se presenta una escena de acción trepidante que nos recuerdan a las viejas películas de aventuras, como nos envuelve con momentos de ternura y nostalgia, o nos regala momentos de comicidad desternillante. Será por eso que después de los créditos de la película se pueden encontrar en la sala de cine abandonados suspiros, lágrimas, carcajadas, y sobre todo podemos encontrar alegría y pena. La alegría de haber disfrutado como un niño de una de las mejores películas de los últimos años y la pena de pensar en el tiempo que tendrá que pasar para que nos volvamos a encontrar con otra gran película como esta.
Esta sexta edición del Festival de Cine de Sevilla viene a confirmar a Sevilla como punto clave en el cine europeo. No en vano por primera vez se dieron a conocer en el festival los nominados para los premios del cine europeo (EFA). Esperemos que este tan bonito y joven festival siga creciendo poco a poco y haciéndose referente, quien sabe si en un futuro, para codearse con Cannes, Berlin o Venecia. Aunque esto ya suene a palabras mayores. Tuve la suerte de estar allí y de disfrutar en primera persona de los títulos que allí se proyectaron. Aunque con otros tampoco se puede decir que disfrutara tanto. En general el nivel estuvo bastante alto. Bien es verdad que no hubo una obra maestra que pusiera de acuerdo a todo el mundo aunque algunas películas se quedaron muy cerca. Según lo que yo pude ver ya mi juicio personal lo mejor que allí se pudo ver fue:
In the loop
Pocas veces me he reído tanto en una sala de cine. Y que conste que no solo fui yo. La sala era un estruendo constante.
La película de Armando Iannucci empieza con la premisa de que el Presidente de los Estados Unidos quiere empezar una guerra.El secretario general británico, Simon Foster, apoya accidentalmente la guerra en unas declaraciones en el prime time. A raíz de eso se gana muchos amigos en Washington DC.
Quizás la película peque de ser poco festivalera, razón por la cual se fue injustamente de vacío del Festival. Pero nos encontramos ante una grandísima comedia en la que es difícil encontrar un momento de sosiego. El ritmo va in crescendo y hay más de una escena que se podrían denominar como antológicas. Gran trabajo de James Gandolfini (interpretando al general estadounidense Miller) y Tom Hollander, el protagonista . Pero el que se come la pantalla cada vez que aparece es Peter Capaldi.
Un profeta
Jacques Audiard nos brinda este drama carcelario que es muy digno de mención y elogio. Jacques Audiard ya demostró que sabe rodar y muy bien en su anterior “De battre mon coeur s'est arrêté” (De latir mi corazón se ha parado) que formó parte también de la sección oficial del Festival unos años atrás dejando un muy sabor de boca.
Un joven árabe (Tahar Rahim) ingresa en la cárcel con 19 años y una condena de 6 años por delante. Sin amigos y totalmente desprotegido, pronto se dará cuenta de la necesidad de estar del lado de alguien dentro de la prisión regentada por mafias internas.
Sincera y real, Un profeta te sumerge en el mundo de las cárceles. Un mundo cruel e inmisericorde en el que la gente debe luchar para sobrevivir. Personajes realmente bien dibujados. El elenco de actores es, cuanto menos, solvente. Niels Arestrup es totalmente creíble en todo. Cuando aparece en pantalla se come la cámara. Junto al protagonista Tahar Rahim es de lo más destacado del reparto.
En resumen, película muy recomendable, dirigida muy bien con un guión altamente trabajado, cuya escritura costó 3 años.
Looking for Eric
Cuando entré en la sala, me esperaba cualquier cosa menos lo que allí vi. Y no me refiero a calidad cinematográfica sino al tono de la película. Un Ken Loach sorprendentemente optimista nos regala una entrañable comedia. Parece ser que Loach entierra al menos para esta película su habitual pesimismo y crudeza. Uno se puede preguntar el porqué de este radical cambio, qué es lo que puede hacer cambiar a este hombre desde el pesimismo más negativo hasta el optimismo más esperanzador. Más concretamente, ¿Qué puede hacer felices a los infelices, aunque sea por un tiempo? La respuesta es el futbol. El futbol como vía de escape y desahogo.
Eric Bishop es un cartero que atraviesa por una crisis vital. Es un fanático del fútbol, del Manchester y de Eric Cantona. Tanto es así que muchas veces consulta sus problemas con el poster a tamaño real que religiosamente tiene colgado en su habitación. Hasta que una de estas veces se le aparece el mismísimo Cantona. A partir de ahí se le aparecerá siempre para darle consejos.
Muy bonita y divertida película que pretende ser una exaltación de la amistad (“Todo empezó con un pase de Cantona”). Lo único achacable en este caso sería la inverosimilitud del final pero es más que perdonable teniendo en cuenta el regusto a algo bueno y la sonrisa en la boca que deja la película.
La cinta blanca
Haneke nos muestra el horror. Y da más miedo porque los protagonistas de la película no son fantasmas, ni monstruos, ni nada por estilo. Son personas como tú y como yo, de carne y hueso. De nuevo Haneke, como ya nos tiene acostumbrados, nos vuelve a enseñar la naturaleza del mal y todos sus entramados. El mal está presente en todas sus vertientes: la mentira, la violencia, el dolor, la muerte.
En un pueblo protestante en el norte de Alemania en 1913 empiezan a ocurrir extraños y oscurosacontecimientos que terminarán por agravarse hasta un punto inconcebible. El maestro de la escuela pueblo decide investigar por su cuenta y va descubriendo la terrible e increíble verdad.
Haneke se llevó la Palma de Oro con este relato en los albores de la primera guerra mundial. La película está rodada con gran maestría en ese tétrico blanco y negro que hace en ocasiones que tengamos que separar la vista de la pantalla. Esto es Haneke, terror pero no de postín. Desentrañar la naturaleza malvada del ser humano. Desde el primer minuto hasta el último de los 145, la película te atrapa bajo un misterioso hipnotismo que se queda contigo al salir de la sala de cine.
Nada personal
Está coproducción de Holanda e Irlanda dirigida por Urszula Antoniak se llevó el Giraldillo de plata. Es una película sin muchos diálogos, contemplativa pero con un ritmo que no se resiente con el paso de la película. Es más, la parquedad en los diálogos ayuda perfectamente a crear el ambiente de la película. Ambiente de soledad compartida.
Una joven holandesa recorre los campos de Irlanda disfrutando de su soledad. Hasta que conoce a un hombre viudo que le ofrece que trabaje para él y que le ayude con los labores de la casa y el campo. Sin embargo unas condiciones son impuestas: nada de preguntas acerca de nada. Nada personal entre ellos. Lo que parece tan fácil de decir, se volverá una ardua tarea poco a poco.
La soledad y la comunicación son los temas principales aquí. Personajes que viven enfrascados en sí mismos. Auto-apartados del mundo. Miedo a relacionarse con la gente, miedo al contacto. Miedo a lo que el contacto supone.
No sabemos en principio cuales son los motivos de la joven para buscar esa soledad. No sabemos lo que le pasa por la cabeza en ningún momento. Sólo sabemos lo que nos enseñan los ojos de la joven, ese atisbo de dolor. Película que sugiere más que enseña. No apta para todos los gustos, pero si se conecta con ella puede llegar a gustar bastante.
Fish Tank
Después de la prometedora Red Road (película que también se pudo ver en otra edición del Festival de Sevilla) Andrea Arnold se supera claramente. Fish Tank es una película de adolescentes pero de verdad, sin adornos ni florituras. Real, dura, nos enseña la cara más sucia de la marginación social. Nos enseña personajes de carne y hueso, a los que casi podemos tocar. Los comprendemos y compadecemos.
Mia tiene 15 años y su entorno familiar no es el más adecuado para una chica de su edad. Sin padre y con una madre a la que sus hijas parecen no importarle lo más mínimo, la vida de Mia no es fácil. Mia se rebela contra la vida, contra nada en concreto y todo en general. Su agresividad, su incapacidad para relacionarse normalmente con la gente vienen motivadas por su desencanto con la vida.
Andrea Arnold dibuja muy bien unos personajes errantes, fuera de lugar. Personajes incapaces de mimetizarse con el entorno, incapaces de escapar de la pecera en la que se encuentran atrapados. Perdedores antes siquiera de que empiece la partida. Pero en la imperfección de estos personajes se puede ver también una ternura subyacente. Son personajes que están pidiendo ayuda a gritos aunque su endurecido caparazón les haya hecho perder la sensibilidad y les haga interpretar cada caricia como un golpe. Gran trabajo de la actriz protagonista Katie Jarvis.
Singularidades de una chica rubia
Los años no pasan para Oliveira y que siga así. Tras 101 años que este hombre sea todavía capaz de regalarnos películas como está tiene un mérito añadido.Oliveira no pudo asistir al Festival porque estaba rodando su nueva película. Y es que en el diccionario de este hombre no debe aparecer la palabra descanso. Sí estuvo allí el productor de la película que nos habló del rodaje de la misma, de sus profundos y constantes simbolismos y de ese peculiar hombre llamado Manoel Oliveira, director y escritor del film.
La película dura 64 minutosempieza con la frase: “Lo que no le cuentas a tu esposa ni a un amigo, cuéntaselo a un desconocido” Trata la película de un hombre que le cuenta a una completa desconocida en un viaje en tren hacia el Algarve la historia de amor más grande y también la más trágica vivida por él.
La película está cargada de símbolos que no desvelaré. Creo que está película incluso ganaría con un segundo visionado. Qué además tampoco supondría mucho inconveniente gracias al poco metraje de la cinta.
Como apunte curioso quiero destacar que desde hace 20 años, Manoel de Oliveira guarda una película inédita: 'Memorias y confesiones', que piensa dejar como legado póstumo. Por pudor no quiere enseñarla en vida. ¿Saben que pienso? Que ojalá tardemos muchos años en verla.
En resumen fue un festival con muchos títulos de calidad pero sin quizá ninguno que sobresaliera claramente. También merecen mención películas como Men on the bridge, The bone Man y 44 Inch Chest. Sin embargo me dejaron con muy mal sabor de boca películas como Vincere, Kill daddy good night, Eastern plays o Tobruk.
Todo empieza con la fatal noticia de que Max padece un cáncer de pancreas. Su tiempo se acaba. Lejos de seguir los consejos de su doctor, Max decide robar el dinero negro de la empesa e irse México. Aunque no sale todo como debiera salir.
La muerte esta directamente relacionada con la trama de la película pero no en un plano negativo. Aquí la muerte (o la cercanía a la misma) adquiere un carácter convulsivo. Es en esta película la muerte algo que sirve para despertar del letargo de la rutina de la vida. Sirve aquí la muerte para desenpolvar los viejos deseos de juventud, para desalienarse tras una vida mediocre y ligeramente infeliz.
La película roza el realismo mágico y aunque a veces no resulte creible y a pesar de algunos agujeros de guión, la película emociona, te envuelve. Salta desde el drama a la comedia con sutileza y acierto.
Tanto las escenas dramáticas, como las cómicas están muy bien rodadas. Llegando a veces a superponerse. Los personajes están muy bien trazados, no sólo Max y Emma con su evolución a lo largo del film debido a la influencia mutua. También el policía es creible. Policía que ocupa una de las escenas más cómicas de la película.
Una gran película a la que se le perdona su, a veces, inverosimilitud porque quizás sea necesaria para el desarrollo de la trama. Una de esas películas mágicas que te envuelve con la naturaleza como fondo. Una película sobre el amor, y una lección para la vida. Todo esto envuelto con una maravillosa música.
protestante en el norte de Alemania en 1913 empiezan a ocurrir extraños y oscuros
